C'est le style de design le plus populaire de la décennie où vous êtes né

Si vous avez gardé un œil sur les tendances en matière de design d'intérieur au cours des dernières années, vous saurez que tout, de Griffonnages des années 1980 pour motifs rétro des années 60 ont réintégré la rotation de style - souvent jumelés, rien de moins. Le terme "barboteur de la décennies » est également officiellement entré dans le lexique intérieur du 21e siècle, alors que les locataires et les propriétaires décorent avec des explosions de plusieurs décennies. Récemment, j'ai moi-même été agréablement surpris de trouver un livre de table basse de 1998 qui regorge d'idées d'intérieur inspirantes qui semblent avoir pu être photographiées aujourd'hui.

Ce n'est pas un secret que les tendances sont cycliques, et il y a un énorme besoin pour le confort de la nostalgie. Intérêt accru pour achats d'occasion alimente également cette mode de décoration de retour en cours, avec un décor de maison à l'ancienne juste une friperie. Et bien qu'il soit facile de repérer les meubles modernes du milieu du siècle ou les papiers peints imprimés des années 70, j'ai commencé à m'interroger sur

Pour répondre à cela, j'ai interrogé des designers et des experts sur le style de design le plus important de chaque décennie, de 1920 aux années 2010. Ils ont pesé sur leurs plus grandes tendances et sur le contexte historique qui a préparé le terrain pour ces conceptions en premier lieu. Bien sûr, il est impossible de limiter un seul style pour chaque décennie (je peux penser à au moins cinq des années 1990 seulement), donc je ferai également un signe de tête à de nombreuses mentions honorables. Que vous cherchiez à en savoir plus sur la décennie où vous (ou même vos parents ou grands-parents) êtes né, ou que vous vouliez simplement faites défiler quelques intérieurs vintage cool, lisez la suite pour un cours accéléré sur la conception de la maison américaine des 100 dernières années.

Le "Les années folles" a marqué une ère de paillettes, de glamour et du style Art déco remarquablement opulent - une caractéristique de plus que de la décoration. Comme Anne Mahoney de Anne Lydia Design d'intérieur note, le look « a laissé sa marque sur tant de supports visuels. De la mode, du cinéma, de l'architecture et du design d'intérieur, il a créé une impression durable pendant de nombreuses années - et est toujours une source d'inspiration.

Selon Sarah Lichtman, PhD, professeure adjointe d'histoire du design à la Parsons School of Design, ce mouvement a fait ses débuts à l'Exposition universelle de Paris de 1925 - officiellement connue sous le nom d'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels Modernes. "Cela a vraiment défini le style de ce qu'était l'Art déco", explique-t-elle. Caractérisé par des motifs géométriques, des métaux et des couleurs vives, le style a rapidement fait son chemin aux États-Unis. "Les grands magasins et les musées américains ont acheté beaucoup de choses lors de cette exposition", explique Lichtman, que les designers nationaux ont ensuite reproduite. "La portée de l'Art Déco était très grande en revenant ici."

De plus, en 1925, le célèbre Mouvement d'art et de design Bauhuas, fondée par l'architecte Walter Gropius, a déménagé et a ouvert une nouvelle école à Dessau, en Allemagne. "C'est le summum de l'éducation moderniste, et c'est une esthétique complètement différente du modernisme: meubles en métal, absence de style, utopie", déclare Lichtman. En contraste frappant avec l'Art Déco axé sur les détails, "il est vraiment fascinant de penser que ces deux choses existent ensemble et influencent vraiment le design de la décennie", ajoute-t-elle.

Après le krach boursier de 1929, les années 30 ont basculé vers une période plus "aspirationnelle", marchant sur un air "demain ira mieux qu'aujourd'hui" au milieu du Grande Dépression, par Lichtman. Cette mentalité futuriste - couplée à l'ère de la machine américaine en cours - a contribué à favoriser l'avènement de Streamline Moderne, une évolution du style Art Déco typiquement grandiose en faveur de plus pratiques motif. "[La rationalisation] est comme l'antithèse de ce qu'était le modernisme, où les choses auraient une fonction", ajoute Lichtman. "Ils ne sont pas repensés, ils sont simplement remodelés."

Présente dans tout, des automobiles aux paquebots en passant par les taille-crayons, cette nouvelle esthétique élégante est largement centrée sur des formes aérodynamiques, des lignes courbes et des surfaces lisses. La rationalisation a également ouvert la voie à designers industriels et des articles plus abordables et produits en série: Russel Wright, par exemple, a lancé sa ligne de meubles « American Modern » au showroom de Macy’s à New York en 1935. Dans l'ensemble, Lichtman considère Streamline Moderne comme un style « typiquement américain » et « optimiste » qui a été rendu public à l'Exposition universelle de New York en 1939 - opérant à juste titre sous le slogan "Dawn of a new journée."

Le design d'intérieur est resté quelque peu stagnant dans les années 1940, en grande partie à cause de la Seconde Guerre mondiale, mais cette période a jeté les bases d'un style que beaucoup de gens connaissent et aiment aujourd'hui: moderne du milieu du siècle. Bien que le look ne soit devenu complètement popularisé que dans les décennies suivantes, Charles Eames a exposé sa chaise Eames désormais emblématique à Concours de design organique dans l'ameublement de la maison du MoMA en 1941, juste avant l'entrée en guerre des États-Unis. Mark Lavender, concepteur principal de M Intérieurs lavande, fait également allusion au tout aussi célèbre Chaise utérine Saarinen, conçu en 1946 comme une « réponse à Florence Kroll se plaindre du manque de chaises confortables », explique-t-il. "Cela a créé un tout nouveau look qui était un style très populaire auprès des sophistiqués pour les 25 prochaines années."

Ces nouvelles conceptions de meubles organiques se sont concrétisées au cours de la seconde moitié de la décennie, en partie grâce pour la guerre elle-même. Les matériaux excédentaires comme le contreplaqué ont été recyclés pour fabriquer de nouveaux produits ménagers, notamment des tables et des chaises. Le designer dano-américain Jens Risom a même utilisé des sangles de parachute pour construire son Chaise longue produite par Knoll.

Lichtman souligne également un changement national général après la Seconde Guerre mondiale: suburbanisation. Elle fait référence à un projet de 1945-1962 appelé le Programme de maisons d'études de cas, commandée par le défunt Art & Architecture magazine comme une série de "maisons prototypes" conçues pour modéliser le style de vie contemporain d'après-guerre. "Cet" homme moderne "est parti à la guerre, revient de la guerre et ne veut pas retourner dans ces maisons traditionnelles", explique Lichtman. "Donc, ces maisons d'étude de cas étaient censées présenter des formes de vie alternatives." Et en 1947, pour répondre aux demandes de logement (bonjour, baby-boom), Abraham Levitt a également établi son développement Levittown à Long Island, New York – qui, bien que controversé, est entré dans l'histoire comme la première banlieue américaine produite en série.

L'introduction de la technologie nucléaire a déclenché une ère atomique d'après-guerre, lorsque la bombe atomique a transporté d'importantes influence aux États-Unis - en particulier avec les designers, qui se sont penchés sur le concept de l'atome lui-même pour inspiration. Le meilleur exemple en est peut-être Horloge de bal de George Nelson, avec 12 sosies d'électrons en forme de boule en orbite autour d'une sorte de noyau central. Et, compte tenu du contexte, Lichtman pose cette tendance comme une pratique de «domestiquer» des motifs de guerre traditionnellement «effrayants».

Vous pouvez toujours acheter la Ball Clock pour votre propre maison aujourd'hui, ce qui fait allusion à deux autres événements notables des années 1950, selon Lichtman: la montée en puissance d'entreprises de design comme Herman Miller et Monticule, ainsi que la reconnaissance de certains "classiques" du design. Bien que toujours jugé assez cher pour le consommateur moyen au cours de cette décennie, des pièces comme la chaise Eames ou la chaise Womb avaient atteint une reconnaissance de masse - et continuent de l'être aujourd'hui.

Cela marque également un moment où la technologie a gagné en importance dans les ménages, selon Lichtman, alors que les familles sautaient dans le train de la télévision. Selon le Bibliothèque publique numérique d'Amérique, "en 1955, la moitié des foyers américains avaient un téléviseur." Par effet domino, cependant, Lichtman ajoute que les arts et l'artisanat faits à la main sont devenus plus courants en tant que décor pour "adoucir une partie de ce modernisme".

Semblable à un Téléviseur "Mad Men", les années 1960 sont synonymes de styles de l'ère spatiale, texture, touches bohémiennes et, bien sûr, une continuation de l'esthétique moderne du milieu du siècle. Les conceptions "Jetsons" ont décollé dans le sillage de la Space Race, qui a propulsé le plastique comme nouveau matériau d'ameublement car il "permet à ces formes presque futuristes" de prendre vie, dit Lichtman. Vous le verrez avec Ball Chair ressemblant à la planète d'Eero Aarnio de 1963, ou designer danois La chaise Panton sculpturale en plastique de Verner Panton. Simultanément, "vous avez cette contre-culture qui commence: les couleurs, les motifs et les affiches psychédéliques sont également mis en avant", ajoute Lichtman. "C'est tout cela qui se mélange."

En parlant de, Kim Coombs de Conception KBCO identifie une couleur "it" spécifique qui a dominé la décennie: avocat. Avance rapide jusqu'à aujourd'hui, quand une poignée de marques de peinture ont depuis déclaré des nuances de vert comme leur 2022 couleurs de l'année, qui ressemble à un vestige d'antan. "Pour moi, c'est un clin d'œil à" l'avocat "des années 60 qui était souvent associé à des touches de couleur audacieuses, tapis à poils longs, un décor de ventilateur surdimensionné et des revêtements muraux aux motifs saisissants », explique Coombs. Dans l'ensemble, elle explique que les années 1960 "nous ont montré des lignes minimalistes et épurées où la forme et la fonction étaient prioritaires".

Les tons terreux d'aujourd'hui semblent rappeler les teintes populaires des années 70, mais cet accent naturel transcende même la roue chromatique. À l'époque, Lichtman cite une «conscience écologique» croissante - la première Jour de la Terre, en fait, a eu lieu en 1970. "Les gens réfléchissent à nouveau à leur environnement d'une manière différente, en apportant plus de matériaux ou d'objets naturels", dit-elle, en particulier après la crise pétrolière de 1973. S'éloignant des plastiques à base de pétrole qui étaient courants dans les années 60, cette décennie a accueilli les tendances de la conception de la maison comme les meubles en osier ou en rotin, jardinières en macramé, et "l'accent mis sur l'expression de soi", note Lichtman.

Revenant à la couleur, les tons rétro et les motifs audacieux ont continué à envahir le design de l'ère disco, ne laissant aucune surface derrière. Même les tapis à poils longs toujours polarisants de l'époque pouvaient être trouvés ornés de nuances incroyablement vibrantes. Décrivant sa propre maison d'enfance des années 1970, Shoshanna Shapiro de la région de Washington, DC Sho et Cie. rappelle à peu près tous les looks quintessentiels de l'époque: «une épaisse moquette à poils longs de couleur rouille, un papier peint coloré chargé, une tête de lit en bambou / rotin, des rideaux vichy. C'était couleur sur couleur, avec très peu de blanc ou de noir pour compenser les couleurs.

De plus, davantage de "classiques" du design ont fait leur apparition sur la scène de la maison et ont été réédités dans les années 1970: "Vous voyez des choses comme des meubles Bauhaus mis en production et entrer dans le style", explique Lichtman. "Le modernisme est toujours là."

Les styles commencent à changer à l'entrée de la période postmoderne: il y a une « déconstruction », selon Lichtman, de l'ancien standard minimaliste du siècle. Les années 1980 ont spécifiquement marqué une époque où les imprimés excessifs de Laura Ashley coïncidaient avec les rebelles, in-your-face Mouvement Memphis Design. Ce dernier est issu du Memphis Design Group, un collectif de design italien fondé en 1980 par l'architecte et designer Ettore Sottsass. Célèbres pour leur utilisation de teintes primaires audacieuses, de formes géométriques et de non-conformisme général, les collaborateurs ont lancé leurs idées au Salon du meuble de Milan en 1981 avant de se séparer en 1988.

Bien qu'éphémère et largement critiqué, le mouvement influent a tout de même généré une fanfare publique, attirant même David Bowie et Karl Lagerfeld. "[Lagerfeld] était l'un des premiers collectionneurs de meubles de Memphis", note Lichtman à propos du défunt magnat de la mode, dont l'ancien L'appartement de Monaco (conçu en 1983) incarnait la tendance avec un mélange de "couleurs vives, de plastiques, de surfaces étranges et angularité. C'est comme un exemple parfait de ce à quoi ressemblaient les années 80. "

Intérieurs de télévision offrait (et offre toujours) une portée sur petit écran des modes domestiques omniprésentes des années 80. Il y a de fortes chances que vous ayez vu la scénographie d'émissions comme "filles à papa,” “Sauvé par le gong», ou « Miami Vice », que Lance Thomas, concepteur principal de Thomas Guy Intérieurs, références spécifiquement pour "[représentant], bien que presque caricaturales, les tendances de la décoration intérieure de la décennie". Il se souvient "des palettes de couleurs pastel et désaturées - mauve, ocre et écume de mer le vert étant en tête de liste. À cette fin, «les murs« tout sauf blancs »donnent le ton à bon nombre de ces salons familiaux», ajoute Thomas, un mouvement maximaliste qu'il adore voir ressuscité.

Les tendances déco qui ont marqué les années 1990 ne manquent pas (tout dont le set "Amis" en quelque sorte réussi à incorporer simultanément…). Le look "shabby chic", qui comportait de nombreuses roses de cottage, reprises du look Laura Ashley des années 1980. Une poignée de designers que j'ai interrogés ont tous indiqué que les motifs floraux étaient un style mémorable dans l'ensemble. "Le papier peint a dominé les années 90 - en particulier la tendance du papier peint floral avec une bordure en haut ou au milieu était énorme", déclare Leslie Murphy, directrice créative et propriétaire de Intérieurs de Murphy Maude. "En donnant une tournure moderne à cette tendance, nous constatons maintenant que les gens recherchent des moyens audacieux et plus axés sur l'art d'incorporer du papier peint dans leur maison."

Même faux les fleurs ont dominé la décennie, selon Georgia Zikas de Géorgie Zikas Design. "Les tendances des fausses fleurs étaient un thème dominant des années 90, souvent plus elles sont grandes, mieux c'est", ajoute-t-elle. "Si vous n'aviez pas d'arrangement de fleurs séchées dans votre maison - susceptible d'inclure une variété d'eucalyptus - je ne suis pas sûr que vous ayez vraiment vécu."

Selon Kim Armstrong, propriétaire et designer principal de Design d'intérieur Kim Armstrong. "Il y avait de grands meubles trop sculptés, et les couleurs populaires étaient le rouge, l'or, le vert olive et le bleu foncé", dit-elle. "Apporter de la pierre dans les murs intérieurs était populaire, et les textiles étaient très traditionnels - les motifs tels que les damas étaient à la mode !" Mais le minimalisme s'est également imposé au cours de cette décennie.

À plus petite échelle, Armstrong et Amy Leferink de Impressions intérieures a parlé des armoires préférées de la décennie - dont certaines existent encore (avec style) dans les maisons aujourd'hui. «Nous connaissons tous les fameuses armoires de cuisine en chêne miel des années 90 et du début des années 2000», déclare Leferink. « À l'époque, c'était à la mode. Elle a également proposé des bricolages faciles pour porter ce style à la vitesse de 2022, comme "les peindre à la couleur de votre goût (astuce: blanc, noir ou vert foncé) et mettez à jour le matériel de l'armoire. » Ou, "gardez les armoires telles quelles, mais mettez à jour votre dosseret et vos comptoirs", Leferink ajoute.

Au cours de la dernière décennie, l'aspect rustique et moderne de la ferme s'est imposé comme le style de design le plus important. "Cela a vraiment décollé et a défini le style pour beaucoup de gens", déclare la designer Eleanor Trepte de Dekay et Tate. "Vous le voyez encore à ce jour dans certains des plus grands magasins du pays qui n'ont même pas d'intérieur. Je pense que je pourrais meubler toute une chambre sur le thème de la ferme moderne de Target !

Ce style va de pair avec des murs à feuillure, des touches de fer forgé industriel, des poutres apparentes de style grange (quoique sophistiquées) et tout ce qui semble tout droit sorti de Puce et Joanna Gainesportefeuille de conception. En fait, le duo mari et femme peut sans doute s'attribuer le mérite d'avoir donné à la ferme moderne une grande partie de son pied, car ils ont montré comment obtenir le look à travers leur populaire émission HGTV "Fixer Upper" et Magnolia ligne à domicile.

Cette pièce fait partie de Throwback Month, où nous revisitons les styles vintage, les maisons et toutes sortes d'idées de maison rétro et groovy. Boogie par ici pour en savoir plus !

Blair est la rédactrice en chef de Style Shopping d'Apartment Therapy, où elle couvre les derniers lancements de marques, les besoins d'achat et tout ce qui concerne ses deux rythmes non officiels - la canne et le rotin. Chaque fois qu'elle ne parcourt pas les dernières trouvailles de maison (une rareté), vous la trouverez probablement en train de lire, de regarder un film d'horreur ou de rechercher les meilleurs tacos de New York (les recs sont encouragés).