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Quand Malene Barnett est allée à l'école de design, elle espérait explorer l'histoire du design et les influences du monde entier. Mais il est rapidement devenu clair que la seule chose sur le programme était la conception eurocentrique.
«Mon travail était axé sur l'expérience des Noirs et je n'allais pas me contenter de ce qui était offert», dit Barnett. Elle a donc décidé de se concentrer sur les symboles, les textiles, les techniques et les artisans d'Afrique, le continent où toute vie a commencé.
Le colorblocking sud-africain Ndebele a inspiré son projet de papeterie. Elle a remporté un prix de conception de tapis pour son tapis représentant un conte folklorique africain. Pour son modèle de vaisselle, son «client» était la famille royale Ashanti du Ghana. Certains professeurs l'ont compris, d'autres non, mais elle a persisté. «J'étais très clair sur ma voix et ma vision et j'étais confiant», dit Barnett. Elle a obtenu son diplôme avec distinction et a remporté la médaille du département.
Maintenant, en tant que céramiste de renom, Peintre et artiste textile, Barnett souhaite aider d'autres designers à «décoloniser» leur conception pour embrasser les gens, les processus de conception, les matériaux et la méthodologie du monde entier. Voici ce qu'elle suggère.
Les mots ne sont que des mots, mais ils façonnent notre façon de penser et ce que nous apprécions. «Pourquoi est-ce que la seule fois où vous pensez au travail des Noirs et des Marrons dans lesquels ils sont placés Bohenmian-tribal-ethnique? " Demande Barnett. Idem pour «primitif», un terme dégradant rarement appliqué au travail des Blancs. «Ces mots en eux-mêmes ne sont pas de mauvais mots, mais les Blancs ont créé cette division entre ce qui est haut et bas et ce à quoi vous devriez aspirer», dit-elle. "Ils ont assumé le pouvoir de décider de ce qu'il y a à l'intérieur ou à l'extérieur lorsqu'ils parlent du travail des Noirs et des Marrons."
Nous classons souvent le décor comme ayant une esthétique moderne ou traditionnelle. Les Eames et Eero Saarinen sont des icônes du modernisme du milieu du siècle. Mais saviez-vous que vous pouvez trouver un design moderniste au Mexique - il suffit de regarder le Musée national d'anthropologie par l'architecte Pedro Ramírez Vázquez. Ou considérez l'architecte anglo-ghanéen David Adjaye, mieux connu pour le Musée national d'histoire et de culture afro-américaine. Et le «traditionnel» évoque-t-il des canapés Chesterfield, des fauteuils à oreilles et d'autres ornements européens des 18e et 19e siècles? Les tables Lacy Bamileke, taillées dans un seul tronc d'arbre, sont des choix traditionnels des dirigeants camerounais depuis des siècles - quoi de plus «classique» que cela? Se libérer des catégories conventionnelles permet plus de créativité.
Il est naturel de définir le design en termes d’artistes que nous connaissons, tels que Picasso, Monet ou Van Gogh. Barnett exhorte les designers à se renseigner également sur les artistes en dehors de l'Europe. Allez plus loin avec Henry Ossawa Tanner, le premier peintre noir américain acclamé qui s'est spécialisé dans l'art religieux et les scènes de la vie quotidienne; Romare Bearden, dont le travail couvrait l'expressionnisme abstrait et le cubisme; Elizabeth Catlett, sculpteur et graphiste de l'époque de la Renaissance de Harlem.
Faire des voyages pour voir où les meubles ou le tissu sont créés est un élément essentiel pour apprendre le design et créer des intérieurs qui ont du sens. Mais lorsque vous récupérez votre passeport, où allez-vous? C'est amusant de se rendre à Paris ou en Toscane, mais de nombreux créateurs ne sont pas aussi intéressés à se rendre à Dakar, Kingston, la Jamaïque ou la Guyane. «C’est une perte, en particulier parce qu’ils ne comprennent pas les gens, la culture et le style de vie», dit Barnett. Et même s'il est bon d'apprécier ce que vous voyez à l'étranger, ne revenez pas et «interprétez» ces dessins dans votre propre travail (au lieu de cela, s'efforcer de soutenir directement les personnes qui créent ce travail).
Beaucoup de gens pensent que les textiles fabriqués en Italie sont supérieurs à ceux de l'Inde ou du Ghana, mais cela change lorsque l'on s'intéresse à la façon dont les choses sont fabriquées. «En ce qui concerne les intérieurs, notre culture est utilisée comme un accent, mais les designers ne savent rien du Bambara», dit-elle. Véritables textiles africains, de la boue au kente en passant par Tissu Kuba, sont créés grâce à des processus de tissage minutieux. Pour la boue, les hommes bambara du Mali tissent des bandes de tissu, cousent les bandes ensemble et les teignent dans de la boue fermentée. Il est généralement noir et blanc, mais ils en font également une superbe version indigo. «Vous ne pouvez pas séparer la culture du peuple», dit Barnett. «Nous devons revenir à la compréhension de la culture, des gens et des créateurs. Cela fait partie de la décolonisation de ce processus de conception. Une fois que vous avez fait ces cinq choses, vous aurez une nouvelle toile et votre processus de création évoluera constamment. "
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Maria C. Hunt est une journaliste basée à Oakland, où elle écrit sur le design, la nourriture, le vin et le bien-être. Suivez-la sur instagram @thebubblygirl.
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